Amparo Serrano de Haro y Amaya Alzaga Ruiz






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Cine, sociedad y

renovación artística

Amparo Serrano de Haro y Amaya Alzaga Ruiz

Grado en Historia del Arte

Teoría cinematográfica

I. Los pioneros y la constitución

del cine como Arte

1. Elementos del lenguaje audiovisual

1. Elementos profílmicos: escenografía y caracterización

2. Códigos visuales. El cuadro, la luz y el color. El movimiento: dinamismo de la acción y movimientos de cámara

3. Códigos sonoros: voz, ruidos y música

4. Códigos sintácticos: el montaje

Saber ver cine no es solamente descifrar lo que hay dentro de las imágenes o reconocer la realidad en ellas representada. En cuanto lenguaje, el cine emplea modos complejos para proporcionar tanto las significaciones inmediatas (denotación) como las remotas, sugerentes (connotación), para hacer que las imágenes bidimensionales en movimiento adquieran la densidad de la ficción, para, en fin, hacer que el espectador participe de un mundo verosímil.

1. Elementos profílmicos: escenografía y caracterización

La construcción de la imagen cinematográfica requiere la preparación del espacio real y de todos los elementos dispuestos en él en orden a su captación fotográfica. Lo profílmico es la escenificación, la puesta en escena, que consta de:

- El espacio real donde se rueda, natural o artificial. Su modificación lo convierte en un espacio dramático.

- Los objetos que se sitúan en ese espacio

- Los actores y su ubicación en el espacio, su maquillaje y vestuario, además de los movimientos y la acción que desarrollan

- Los efectos especiales

El decorado y la caracterización de los personajes juntos o por separado dan verosimilitud al filme, definen a los personajes, sitúan a la película dentro de un género y según estén trabajados pueden alcanzar valor de símbolo en determinadas secuencias y películas.

Diferencias entre el cine y el teatro

El rodaje tiene un ritmo dislocado, no es en vivo y se sucede en desorden respecto al argumento. Además las tomas pueden repetirse las veces que sean necesarias y el público no interactúa durante la escenificación.

La interpretación teatral descansa sobre la voz y el diálogo, mientras que en el cine intervienen más elementos, como el primer plano, inexistente en el primero (la escala es un recurso específico del cinematógrafo, junto al montaje y el movimiento de la cámara).

2. Códigos visuales. El cuadro, la luz y el color. El movimiento: dinamismo de la acción y movimientos de cámara

El cuadro o plano es el recorte iluminado que vemos en la pantalla. Básicamente existen dos, el estándar, parecido al del televisor, y el scope, que se adapta más a la visión humana y permite planos con muchos personajes. Ambos se suelen rodar en fotogramas de 35 mm.

* La palabra plano también tiene las acepciones de duración de una escena y de la situación de los personajes u objetos respecto a la cámara.

El cuadro es una parcelación de la realidad, del profílmico, según los intereses narrativos y estéticos de cada plano: acerca y aleja al espectador de la realidad al mismo tiempo. Puede ser fijo o variable, según se mueva la cámara o el zoom.

Sin embargo, el fuera campo, lo que queda fuera del cuadro, también es otro elemento con el que los directores saben jugar, al hacer que el espectador lo pueda tener presente y completar el sentido del cuadro.

Se llama perspectiva a la representación, en una superficie plana, de una realidad tridimensional en la que intervienen factores como el ángulo, el nivel, la escala y la profundidad del campo. El movimiento, la luz y el color también influyen poderosamente en ella.

La composición es el arte de disponer el encuadre de modo que adquiera una determinada expresividad: relaciones de jerarquía entre personajes, estados de ánimo, climas emocionales o características del espacio.

Ángulo, nivel y altura. El ángulo que adopta la cámara ante la realidad puede ser el recto (el más habitual), el alto o picado o el cenital (que empequeñece a los personajes) y el bajo o contrapicado (que los engrandece).

El nivel hace referencia a la sensación de gravedad que da el paralelismo entre el límite inferior del cuadro y la línea del horizonte. La altura es la distancia al suelo del objetivo de la cámara y está en relación con el ángulo.

En general, se debe jugar con los tres para ofrecer la visión habitual de la realidad o una inhabitual, como para dar una subjetiva desde el punto de vista de un personaje o por necesidades de encuadre (un picado para grabar a una multitud por ejemplo).

La escala viene dada por la distancia desde la que contemplamos la acción, si es muy grande el espacio es el protagonista, si es muy pequeña lo serán más los personajes.

Por tanto según las escalas tendremos los siguientes tipos de plano: general (muestra un espacio dramático en su conjunto), americano (aparecen los personajes hasta las rodillas), medio (por encima de la cintura), primer plano (se encuadran los rostros) y primerísimo plano cuando aparece un solo detalle de gran significación. Normalmente el tamaño de la escala es acorde a la duración del plano.

La elección de la escala es, en definitiva, un factor básico en la construcción de la estética global de la película.

Objetivos y profundidad de campo. La elección del objetivo depende del ángulo de visión que se quiera mostrar, esto es, la amplitud del encuadre y la profundidad de campo requerida. También depende de la distancia de la cámara, la luz y otros muchos factores, además de tener en cuenta el objetivo del plano anterior y posterior, para no crear hiatos indeseados. Según su distancia focal (medida en mm) y su campo de visión (medido en grados) tenemos:

- Focales cortas o grandes angulares: 28 mm o menos y un mínimo de 43º, se usan para planos generales o planos secuencia porque enfocan nítidamente los objetos lejanos y cercanos.

- Focales normales: 35-40 mm. y 35º-31º. Dan una imagen similar a la percibida por el ojo, por lo que se usa para planos medios y primeros planos.

- Focales largas o teleobjetivos: 100 a 250 mm y 13º o menos, para filmar objetos muy lejanos, como en documentales sobre el mundo animal o se filma a un personaje entre la multitud.

El zoom es una lente de distancia focal variable que permite distintos encuadres sin mover la cámara y en una misma toma.

La existencia de una amplia profundidad de campo tiene consecuencias en la puesta en escena, en el estilo de montaje y en la estética de un filme. Ahora es posible enfocar nítidamente en un mismo plano objetos cercanos y lejanos a la cámara, mantener en foco a un personaje que se mueve en la dirección del eje óptico o filmar con la misma claridad un personaje y el decorado en que está ubicado.

Históricamente, se considera a Ciudadano Kane como la primera película que mostró estas posibilidades, aunque posteriormente el recurso no ha conocido un gran desarrollo, tal vez porque exige un público muy participativo.

Iluminación. La Historia del Cine se ha desarrollado como una lucha por su control. Desde 1910 se usa luz artificial y se la ha tomado como un valor expresivo clave. La iluminación puede ser igual de buena tanto si asemeja la natural, como si crea espacios fantásticos en determinados géneros; lo importantes es que sea coherente a lo largo del filme y que tenga creatividad en la resolución de cada plano. El buen director de fotografía es capaz de crear un clima y transmitir un mensaje a través del cromatismo y la luz.

Hay una discusión permanente sobre el uso del blanco y negro y el color, puesto que algunos sostienen que el cine con mayúsculas es el primero; pero la implantación del color es general desde los sesenta y hoy en día sólo se usa el blanco y negro con propósitos muy concretos (por ejemplo, en La lista de Schindler).

El cromatismo tiene más entidad estética en géneros y ciclos como el musical, el cine infantil y de animación, la comedia, el fantástico y la aventura; por el contrario es menos relevante en el drama y, en general, en obras donde el decorado y el vestuario están subordinados a otros elementos.

Algunos directores intentan jugar con el simbolismo de los colores, pero parece que desde un punto de vista psicológico y artístico, la oposición luz/sombra es mucho más relevante para despertar en el espectador emociones.

El movimiento proporciona dinamismo a la acción dramática. Se puede distinguir entre el movimiento interior al plano y el movimiento de la cámara, aunque también la combinación de ambos y el juego con diferentes planos. El segundo de ellos se puede conseguir a través de:

- el zoom o travelling óptico, aunque es muy artificial y no se puede abusar del mismo

- la panorámica, al girar la cámara desde un punto fijo e ir abarcando la realidad al igual que lo hace los ojos o la cabeza al girar

- el travelling, al moverse la cámara desde su ubicación en un soporte móvil: dolly, grúa sobre raíles, automóvil…

- la combinación de cualquiera de los anteriores, con la cámara instalada en cualquier otro móvil: helicóptero, cámara al hombro…

El movimiento viene justificado por su función narrativa o descriptiva, al introducir al espectador en la acción, o expresiva, cuando se quiere subrayar la expresión de ideas de la acción dramática o deshacer su ambigüedad.

Las cámaras ligeras (steadicam) permiten rodar en movimiento sin vibraciones molestas, dando movimientos de cámara muy bellos, pero también muy efectistas más que estéticos.

La cuestión de fondo es si el movimiento debe usarse en la escritura cinematográfica para que pase desapercibido al espectador y centre su atención en lo que se está contando, o si debe ser un refuerzo y/o generador de la acción dramática.

3. Códigos sonoros: voz, ruidos y música

En el cine, que es un lenguaje audiovisual, se suele menospreciar la parte del sonido. Sin embargo su valor es más que evidente e incluso las películas mudas se proyectaban con acompañamiento musical.

La banda sonora está compuesta por las voces, la música y los ruidos, montados en dos bandas para facilitar el doblaje, y que casi nunca está grabada en su totalidad en directo. Se puede distinguir entre sonido diegético (que pertenece al espacio donde están los personajes) o no diegético (el que no podrían oír los personajes: voz en off, música superpuesta, etc.). En general el sonido desempeña estas funciones:

- Crea un espacio dramático

- Dirige la mirada del espectador hacia la fuente de sonido, sea la voz de un personaje o un ruido

- Anticipa una situación o crea expectativas en el espectador, como suelen hacer las películas de terror

- Refuerza o completa el significado de las imágenes

- Sirve como transición suave del montaje

- Otorga información sobre calidades de superficies, telas, objetos…

Los actuales sistemas multicanal permiten que los sonidos se escuchen físicamente por los lados correctos en las salas de cine.

La voz y la palabra tienen tanto peso como la imagen, pues es la mitad de la interpretación de un actor y da más información sobre los personajes de la que muestra su imagen. La conjunción de contenido (palabras), características de la voz y la prosodia contribuyen a:

- Caracterizar sociológicamente (extracto social) y psicológicamente a los personajes

- Informar sobre sus intenciones y acciones

- Plasmar conflictos dramáticos

- Apoyar, contradecir o matizar lo expresado por los gestos y acciones o las imágenes

- Establecer el talante estético y el género del filme

- Transformarse en ruido de enorme significatividad y creatividad

Los diálogos pueden ser de muchos tipos: pausados, rápidos, literarios, espontáneos, estereotipados, naturales, etc. Por su parte, la voz en off puede proceder de una voz in del plano anterior, expresar las imágenes mentales de un personaje, constituir el hilo del narrador autodiegético y ser una voz extradiegética identificable con el autor que se dirige al narratario.

Las versiones originales subtituladas no anulan la interpretación mediante la voz, pero tienen el inconveniente de que resumen o cambian los diálogos con la traducción, además de que resta tiempo a la contemplación de las imágenes. El doblaje puede incluir sin resumir el texto completo, pero se cambia la interpretación del actor y, no pocas veces, la banda de ruidos se desdibuja.

La banda de ruidos, que se aprecia casi de forma subconsciente por el espectador, es esencial para la verosimilitud de la representación audiovisual. En principio contiene los ruidos propios del espacio donde se desarrolla la acción, pero estos no se suelen poner tal cual en la cinta final, sino que se eliminan o subrayan (al igual que lo hace el oído humano) en los estudios. La banda de ruidos puede tener una función representativa o una función expresiva o dramática, o ambas a la vez.

La música es imprescindible en cualquier película y, en algunas, se recuerda más que las mismas imágenes. Desde el principio se usó para ambientar la acción poniendo al espectador en un ambiente cómico, dramático, de misterio o terror… La aparición del cine sonoro fue una auténtica revolución y en los años treinta y cuarenta los estudios cuentan con directores musicales que se encargan de producir o supervisar bandas sonoras con música orquestal omnipresente, igualando casi el cine a la ópera.

En los cincuenta surge una mayor creatividad y aparecen músicos genuinamente cinematográficos… hasta culminar en la actualidad, cuando el disco y la película se publicitan mutuamente. La música del cine puede ser:

- escrita a propósito para la película

- películas sobre el mundo de la música (Amadeus, por ejemplo)

- fragmentos de música clásica elegidos para acompañar (2001, una odisea en el espacio)

- arreglos a partir de música preexistente

- canciones puestas de moda por una película o, al revés, películas popularizadas por un tema de moda

Con la música y la banda sonora se hace una auténtica labor de montaje, hasta el punto de que en películas como Fantasía o The Wall las imágenes se montan sobre la música. Pero de la misma forma que la música es importante, con la aparición del cine sonoro se descubrió la fuerza del silencio.

La música, diegética o extradiegética, puede dar entidad estética al filme, expresar emociones y sentimientos, facilitar la transición de escenas, subrayar detalles o remitir o identificar a un personaje que no está presente.

4. Códigos sintácticos: el montaje

El montaje es la operación por la que se articulan los planos en unidades de significación: es la combinación de planos para construir la película. Es una actividad técnica, pero sobre todo estética, pues es la sintaxis misma del lenguaje cinematográfico. Surge cuando se fragmenta la toma única y fue la vanguardia soviética quien exploró todas las posibilidades expresivas del montaje.

Una vez efectuado se pueden añadir los efectos especiales, la música y la banda de ruidos y doblar en su caso la película. La labor de montaje es tanto o más importante cuanto más débil es el guión o tenga menos detalles.

De su importancia habla el hecho de que, a veces, los directores que no quedan contentos con la película comercializada, rehacen el montaje y crean su propia versión.
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